La Photographie

AN RAY pour photographier Elevage de poussières, en 1920.) Il posera donc pour la première fois la question du statut de la photographie : est-elle l’œuvre, ou bien n’est ce qu’un témoignage, un trace visuelle de cette œuvre ? Il donnera une réponse en 1936, avec La Boîte-en-valise. Avec cette œuvre, DUCHAMP prend la photo pour ce qu’elle est, c’est-à-dire un document, de ses œuvres. Il cherche à rendre compte d’une absence, de ce qui n’est pas présent. Mais ici, l’œuvre finale (la Boite-en-valise) acquiert tout de même un statut ambigu, entre l’œuvre d’art et le document. C’est ici que réside toute l’œuvre de DUCHAMP et du ready-made en général, la frontière entre l’art et le non-art.

2- Un auxiliaire de création

Certains artistes utilisent la photographie pour son aspect purement documentaire. Chez Marina ABRAMOVIC et ULAY, la photographie de la performance Relation in Space, endosse le même rôle, à savoir rendre compte d’un événement passé, qui s’est déroulé dans un espace et un temps donnés.

Certains artistes, comme Sophie CALLE, revendiquent même le fait d’ignorer les subtilités des manipulations techniques. C’est pour cela qu’elle va jusqu’à faire appel à des photographes professionnels pour réaliser ses clichés (La Filature, 1981). Car l’essentiel de leur travail n’est pas là, la photographie ne représentant qu’un des éléments visuels de leur projet.

Ainsi, on peut voir qu’au delà d’exploiter toutes les qualités de la photographie, de nombreux artistes s’en servent comme réel support de leur travail, qu’elle soit documentaire ou outil. Ils vont même parfois jusqu’à négliger les qualités plastiques, visuelles. C’est par l’utilisation d’appareil autofocus et de la photographie couleur qui renvoie à une pratique dite « grand public », que ces artistes rejettent le coté technique et professionnel de la photo. Ainsi, certains s’appuient sur le modèle de l’album de famille, multipliant les clichés pour évoquer une narration, souvent intime et autobiographique, comme c'est le cas pour Nan GOLDIN et ses clichés marqués d’amateurisme présentés en slides-show.

VERS UNE ESTHÉTIQUE PHOTOGRAPHIQUE

1- Systématisation d’un processus plastique

Dans le courant du XXème siècle, l’utilisation de la photographie dans le domaine artistique va évoluer. Le travail de Bernd et Hila BECHER va conférer un nouveau statut à la photographie, à savoir un outil conceptuel. Ils photographient de manière systématique des bâtiments industriels avec une technique traditionnelle. Il se dégage de ces clichés une approche à la fois esthétique et documentaire. Ils mettent en place une photographie plasticienne et mettent en avant une certaine neutralité à travers un même cadrage, les mêmes dimensions, et un même point de vue, au sein d’une même série (Ex. : Gas tanks, 1983-92), sans la moindre présence humaine.

Avec ce genre de photographie appelée également objective, on est dans le constat pur, l’artiste ne s’implique pas, ne cherche pas à produire d’émotion chez le spectateur. Les BECHER vont ouvrir une école à Düsseldorf, où ils vont former de nombreux artistes de l’époque contemporaine, comme Andreas GURSKY, qui va poursuivre le travail du couple avec de la photographie plastique monumentale. Il cherche à concentrer un tout dans une même image retravaillée avec le numérique, afin d’explorer les limites du réalisme.

La photographie va cependant être difficile à intégrer comme pratique artistique pure, de par ce principe mécanique. Des artistes s’en emparent surtout comme auxiliaire de leur pratique. A partir des années 1960, les artistes utilisent la photo plus qu’ils ne sont photographes, comme beaucoup de photographes reviennent à la peinture. On s’éloigne peu à peu de cette méfiance à l’égard de la photographie quant à son statut artistique. On assiste à la naissance de nouvelles données entrent dans le monde de l’art : La première grande opération plastique des photographes plasticiens, c’est d’amener la photographie au grand format, ainsi que de changer les supports. C’est cette tendance que va développer entre autre Jeff WALL.

JEFF WALL ET LES « PEINTRES-PHOTOGRAPHES »

1- Citations photographiques

L’œuvre de Jeff WALL qui nous est donnée à voir dans ce corpus est datée de 1979 et s’intitule Picture for women. On peut voir différents niveaux dans cette image : au premier plan, à gauche, une femme, debout, les mains appuyées sur une sorte de comptoir. Derrière elle se trouve un miroir, qui nous laisse apercevoir le processus de prise de vue, c’est à dire l’éclairage, le photographe et son appareil. La scène se tient donc dans un studio. Le titre fait non seulement référence au contexte féministe des années 70 et aux théories de la différence entre les sexes, mais aussi aux thèmes de la séduction et du croisement des regards, en référence à un tableau de MANET, Un Bar aux Folies-Bergères (1881-1882). On y voit une serveuse devant une table, dont le regard se perd. Seule la construction spatiale très élaborée du tableau permet d’en expliquer son attitude mystérieuse. Derrière la jeune femme, un miroir reflète la salle du bar, la table où elle s’appuie, sa silhouette de dos, ainsi que l’homme qui s’adresse à elle auquel on peut assimiler le point de vue du peintre. Dans la photographie de Jeff Wall, le thème est transposé dans le cadre contemporain d’une séance de prise de vue. Le regard de la jeune femme ne s’adresse pas à un possible spectateur, mais se dirige ailleurs. La scène a été photographiée dans un miroir et non directement de face. L’effet de perspective s’efface, et le regard du spectateur est ramené à la surface de l’image. Les yeux de la jeune femme croisent ceux du photographe qui la regarde lui aussi, mais indirectement, dans le reflet du miroir. Avec cette toile, MANET mettait en place une construction de l’espace inédite. Jeff WALL prolonge l’idée du peintre en l’appliquant à la photographie. Le photographe considère cette technique comme un moyen contemporain de créer de l’image qui s’inscrit dans le monde moderne et comme une certaine continuité des problématiques soulevées par la peinture classique.

2- L’image moderne

La photographie couleur peut aussi être utilisée pour ses qualités purement plastiques et jouer avec les composantes de l’image comme dans une œuvre picturale. En effet, de nombreux photographes utilisent l’outil photographique pour créer des images singulières et affranchi de quelconque référent, au même titre que les peintres se servent des couleurs pour réaliser une toile. C’est dans