Don Giovanni sans concession de Michael Haneke, Jean-Laurent Poli

Rédaction musique :

Dans cet article se nomment « Don Giovanni sans concession de Michael Haneke », écrit par Jean-Laurent Poli écrivain et journaliste. Qui a été publié le 19 mars 2012, sur un journal en ligne le « Huffington Post ».  Il a été écrit récemment, dans un contexte similaire a celui d’aujourd’hui. Il illustre un contenu artistique car il s’agit de la critique d’un opéra « Don Giovanni » De Mozart composé en 1787 a l’époque classique. C’est un article écrit par un journaliste français, nous remarquons cependant un mélange culturel car le scénariste de la représentation est autrichien ainsi que le compositeur mais que la représentation se situe dans le 11eme a l’Opéra bastille. Il y’a donc l’approche Autrichienne au contact du Monde Français.

Michael Haneke grand cinéaste Autrichien, très connu pour son film « La pianiste » sorti en 2001, décide de se tourner vers l’opéra pour exprimer une vision moderne du répertoire mozartien. En effet, dans cette représentation Haneke crée une mise en scène d’un style nouveau accepter a L’Opera bastille, c’est un lieu où les scénaristes peuvent exprimer leurs avant-gardismes comme avec la représentation très connue de Bintou Dembélé des « Indes Galantes. Haneke, respecte la musique de Mozart. Cependant sont approche est centré sur la mise en scène et l’importance des personnages, avec un style quartiers d’affaires comme à La Défense, et des personnages avec des tenues extravagantes (masque de mickeys, habits de techniciens…) mais aussi une vision des caractères différentes. Don Giovanni n’est plus vu comme un séducteur violent mais come quelqu’un de faux et de malveillant. De plus, le coté surnaturel de l’opéra disparait pour laisser place à un commandeur en fauteuil roulant qui n’attise plus la peur comme dans les représentations souvent vues. Cependant, nous pouvons nous demander si cette approche ne trahit pas l’œuvre de Mozart. En effet, l’esprit de l’œuvre original peut etre perdue car la mise en scène occupant la première place, laisse la musique de coté qui reste aux yeux de l’époque le plus important dans l’Opéra. De plus, nous pouvons nous dire que la décision d’une mise en scène trop moderne ne rend pas hommage a la vision du compositeur qui optais pour une mise en scène épurer lier principalement au texte et a la musique. Haneke prend des libertés que nous pouvons juger trop importante car il décide de supprimer des mesures de musique pour instaurer un silence et décide de mettre en lumière des personnages qui a l’origine etais seulement secondaire, comme Zerline et Masetto, mais aussi le rôle de Donna qui tue Don Giovanni ce qui n’est pas le cas dans l’œuvre original. En outre, le personnage du Commandeur est totalement décrédibilisé, en effet il est présenté avec un sac sur la tête et en fauteuil roulant, son aspect surnaturel et démoniaque est donc entièrement oublié. Néanmoins, nous pouvons dire que cette mise en scène peut etre considérer comme audacieuse et plaire à un certain public, car elle rend l’opéra classique de Mozart plus accessible en permettant a un public non musicien/amateur de profiter de son œuvre en utilisant des éléments du quotidien et des références familières. Mais alors, qu’appelons-nous re-création, et qu’elles sont ses limites. La notion de « re-création » peut être comprise de différentes manières en fonction du contexte, mais elle implique généralement une forme de réinterprétation, de renouvellement ou de réinvention d'une œuvre, d'un concept ou d'une idée préexistante. La re-création artistique se produit lorsque des artistes s'inspirent d'œuvres d'art ou de concepts existants pour créer quelque chose de nouveau. Cela peut inclure des reprises de chansons, des réinterprétations de tableaux célèbres, des réécritures de romans classiques, etc. Par exemple, un musicien peut reprendre une chanson classique en y apportant sa propre touche personnelle. On peut donc dire que Haneke réalise une re-création en instaurant sa vision moderne dans cet opéra.

Nous pouvons nous demander quels sont les intérêts des mises en scènes contemporaine par rapport à celle classique ? En effet, Les mises en scène contemporaines et classiques ont des approches différentes pour interpréter et présenter des œuvres théâtrales. Chacune a ses propres avantages et son propre intérêt, et le choix entre les deux dépend en grande partie du metteur en scène mais aussi du public visé. Les mises en scène contemporaines ont tendance à réinterpréter et à actualiser des œuvres classiques pour les rendre pertinentes pour le public d'aujourd'hui. Cela peut inclure des adaptations de pièces classiques pour refléter des problématiques modernes, des mises en scène dans des contextes contemporains, ou l'exploration de nouvelles interprétations des personnages et des thèmes. Elles sont souvent des terrains d'expérimentation où les metteurs en scène, les concepteurs et les acteurs cherchent à repousser les limites de la créativité. Cela peut se traduire par l'utilisation de nouvelles technologies, de formes théâtrales non conventionnelles, de dispositifs scéniques novateurs, etc. Il arrive qu’elles soient parfois utilisées pour aborder des questions sociales et politiques cruciales. Les metteurs en scène peuvent mettre en avant des thématiques telles que la diversité, l'égalité, l'injustice sociale, la migration, etc., dans le but de susciter la réflexion et le débat chez le public. On peut donc dire qu’elles tendent à être plus ouvertes à la diversité culturelle, ethnique, de genre et sexuelle. Elles offrent des opportunités pour la représentation et l'exploration de diverses voix et perspectives, ce qui peut créer une expérience plus inclusive pour les spectateurs. Néanmoins, il est important de noter que les mises en scène classiques ont également leurs propres mérites, tels que la préservation des traditions musicales et la fidélité aux textes originaux. Le choix entre une mise en scène contemporaine et une mise en scène classique dépend du contexte, de l'objectif du metteur en scène, de l'œuvre à interpréter et du public visé. En fin de compte, les deux approches peuvent coexister et contribuer à la richesse et à la diversité du monde du théâtre.