Le Théâtre

: il précise de quelle façon ces paroles doivent être prononcées. Les didascalies, très présentes dans les textes théâtraux, sont des indications qui permettent et facilitent la représentation de la pièce sur scène et la compréhension de l'intrigue. Ces indications scéniques aident le metteur en scène qui possède alors plus de renseignements sur la représentation de la pièce. Elles facilitent également le jeu des comédiens. En effet, ils savent alors, quelles gestuelles ils doivent adopter pour incarner au mieux le personnage. En conclusion, elles permettent de guider la mise en scène et la représentation de la pièce.

Dans Le Fils naturel de Diderot, les didascalies sont présentes en quantités. Par exemple, dans l’Acte I, scène I, on peut noter la présence de didascalies sur la gestuelle du comédien : « Il se lève. Il se promène. », «Il se jette sur l’autre bras de son fauteuil».

Dans Ruy Blas d’Hugo, on remarque la présence de didascalies amorçant le monologue de Ruy Blas de l’acte III, scène IV. Dans cette scène le personnage principal est : « seul et il est comme absorbé dans une contemplation angélique »

Les didascalies sont donc indispensables à la mise en scène de la pièce. Elles permettent également de créer une certaine atmosphère durant la pièce.

Lors des représentations théâtrales c'est la mise en scène de la pièce qui en détermine l'ambiance générale, comique ou plutôt tragique. Cette étape est primordiale au théâtre. Le metteur en scène se doit de retranscrire le texte de l'auteur tout en le réinventant, sans changer le sens et le message que veut transmettre la pièce. Pour qu'elle corresponde au mieux au texte, la pièce doit s'appuyer sur des indications qui y figurent : didascalies, répliques, temps de paroles de chaque personnage, tirades…

En effet, dans Ruy Blas de Diderot la didascalie précédant le monologue de la scène 4, Acte III annonce que l’atmosphère sera angélique durant cette tirade. Le metteur en scène pourra donc reconstituer la pièce au mieux seulement si tous les procédés présents dans le texte ont été compris.

La pièce de Diderot comporte de nombreuses difficultés dans sa représentation. En effet, il faut que le metteur en scène parvienne à dégager une atmosphère pesante, lourde, que celle-ci soit presque une épreuve pour les comédiens qui ne disent rien au hasard. Ils doivent contrôler leurs moindres faits et gestes afin de ne pas aller au-delà de leur rôle et ainsi ne pas tomber dans une légèreté qui ne conviendrait pas à la pièce.

Le texte et les différents procédés, comme les tirades ou encore les monologues sont également le support des émotions.

Dans la pièce Ruy Blas , l'émotion est transmise par les mots utilisés dans les monologues. En effet, le monologue permet de connaitre les pensées et les sentiments du personnage qui se parle a lui-même sur scène. En effet, dans l’acte III scène 4, les mots utilisés dans le monologue expriment les émotions ressenties par le personnage principal. Les mots : « joie, extase, heureux » permettent de déduire qu’à ce moment de la pièce, Ruy Blas vit un moment angélique, céleste…

Egalement, dans l’acte IV, scène 3 de la pièce Le misanthrope de Molière, l’émotion est transmise par des termes et des mots précis. En effet, les mots « trouble » ou encore « soupirs poussés » ou même « sombre regards » montrent l’agitation et l’énervement du personnage Alceste.

Malgré toutes les indications et procédés que nous avons pu étudier précédemment, le metteur en scène garde tout de même une grande liberté dans le choix de la représentation. Le metteur en scène est responsable de la réussite de la représentation. Il doit connaître le contexte historique de l’œuvre de manière approfondie et ne jamais perdre de vue l’aspect technique de la pièce jouée. Cela implique une aptitude à donner des ordres pertinents à tous niveaux de représentation scénique, donc aussi aux techniciens. Bien entendu, le plus important reste évidemment la faculté du metteur en scène à diriger des comédiens, un peu à la manière d’un chef d’orchestre. En effet, si l'auteur écrit le texte, c'est le metteur en scène qui se charge de sa représentation et qui donne donc libre cours à son imagination, même s'il se doit de respecter l'œuvre, c'est-à-dire de ne pas modifier l'esprit de la pièce. Le metteur en scène peut donc représenter la pièce comme il le désire. Le décor, les costumes, les éclairages, la musique ou les bruitages jouent un rôle dans toute représentation en contribuant à faire vivre le texte. Ces différents aspects sont souvent ajustés aux goûts du metteur en scène. En effet, il peut se permettre de faire ressortir ou de supprimer quelques points plutôt que d'autres comme par exemple un registre, un point de vue... sans pour autant changer le texte. Mettre en relief l'intérêt de la mise en scène permet donc de souligner la richesse d'une pièce, notamment pour la scénographie, pour le jeu des acteurs, les costumes et le choix d'adaptations. Le metteur en scène peut choisir lui-même chaque décor ainsi que chaque costume.

C’est pour cela que pour une même pièce de théâtre il existe plusieurs adaptations. C’est le cas de Roméo et Juliette de Shakespeare. En effet, Roméo et Juliette a connu de nombreuses adaptations sur divers supports : théâtre, cinéma, opéra, comédie musicale. Sous la Restauration, elle est abondamment éditée par William Davenant. Au XVIIIe siècle, David Garrick modifie également de nombreuses scènes dans sa version. Les interprétations du XIXe siècle reviennent au texte d'origine et se concentrent sur un réalisme accru. En 1935, la version de John Gielgud reste très proche du texte de Shakespeare, et emploie des costumes et accessoires élisabéthains pour rehausser son caractère dramatique.

De plus, par de multiples procédés, le metteur en scène peut faire naître une ambiance, chez le spectateur, qui n'est pas la même selon le metteur en scène de la pièce. En effet, en