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e le plus approprié à son objectif communicatif (à l'intention, mais aussi à la réception visée). Ce discours doit intéresser, séduire, emporter l'adhésion. Ce lien entre parole et spectacle est particulièrement évident dans les lieux publics de prise de parole théâtres, tribunes politiques, plateaux d'émissions de télévision - dans lesquels les propos sont mis en scène pour être le plus efficace possible. Que ce soit à des fins informatives, expressives ou argumentatives, parler c’est agir sur l’autre. La société démocratique actuelle place la liberté d’expression et le dialogue, et donc l'usage de la parole, au centre de la vie sociale. La parole humaine contient potentiellement la possibilité d’être au service de plus d’humanité, d’un lien social plus symétrique, plus respectueux de l’autre et plus doux à vivre. Pourtant, la parole peut aussi servir les buts inverses du mensonge, de la manipulation et de la désinformation. L'exercice de la parole n'est ainsi pas toujours synonyme de démocratie. La parole est (aussi) une arme du pouvoir qui est utilisée pour manipuler en devenant propagande. Ces possibilités de manipulation sont exacerbées par les nouveaux moyens de communication et les médias.

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Qu’apporte à l’homme, d’hier et d’aujourd’hui, la dimension collective de la mise en spectacle de la parole ? La parole mise en scène a une dimension collective depuis l’Antiquité. Il s’agit de réfléchir sur les relations entre la parole et le groupe. Le public peut constituer une unité dans la représentation théâtrale, l’émission de télévision ou le discours politique. La collectivité peut se représenter collectivement les problèmes actuels qu’elle se pose. La dynamique de groupe liée au fait de recevoir une parole collectivement peut créer une communauté de pensée mais s’accompagne de risque de manipulation (phénomènes d’adhésion spontanée dans un contexte qui suspend la réflexion). Elle peut avoir un effet cathartique, servant d'exutoire aux passions qui ne sont pas autorisées par la société. Le théâtre ou les émissions de télévision mettant en scène la parole peuvent aussi être un pur divertissement, par l'utilisation du rire et de tout autre forme d’émotion. 3. Qu'étudier en classe ? Cet objet d'étude doit s'appuyer sur des études concrètes de situations dans lesquelles la parole est mise en spectacle : analyse de la mise en scène d'une pièce de théâtre, confrontation d'émissions de télévision, observation réfléchie d'un discours politique... L'approche de cet objet ne saurait se limiter à une approche systématique des techniques de communication ou de notions. L'étude de la signification des gestes associés à la communication orale n'a aucun intérêt en tant que telle. L'enseignant veillera à ce que ces outils d'analyse ne soient abordés que dans la mesure où ils aident à mieux saisir les enjeux du spectacle étudié. a. Le théâtre : texte et représentation Perspectives On analyse le texte de théâtre en tenant compte des éléments sonores et visuels qui caractérisent sa représentation. Il s’agit de faire percevoir que ces éléments varient selon les genres, les registres et les époques, et que la réception d’un texte de théâtre se modifie à travers ses différentes mises en scène. L’une des caractéristiques du texte théâtral est d’être incomplet. Il est un objet d’interprétation par ses praticiens : metteurs en scène, scénographes, comédiens… Leurs lectures sont à la fois fonctionnelles et pratiques (comment porter le texte à la scène ?) mais aussi interprétatives. La lecture du texte théâtral génère une représentation imaginaire chez le lecteur qui se trouvera modifiée lors de la représentation. L’approche sémiologique du théâtre aide le lecteur à enrichir sa lecture en le rendant sensible à la pluralité des choix possibles, en ouvrant son imagination aux possibilités latentes du texte. Durant les années de collège et l’année de seconde, les élèves ont acquis des connaissances précises du théâtre classique (objet d’étude : « Des goûts et des couleurs, discutons-en »). Il s’agit en Terminale de compléter et d’approfondir cette étude. Le théâtre occupe une place singulière dans la littérature, non seulement parce qu’il a donné des œuvres qui constituent des modèles majeurs, mais surtout parce qu’il est à la fois texte et spectacle et qu’il présente une part d’oralité fondamentale. C’est cette spécificité du théâtre qui est en jeu dans cet objet. Elle doit mener les élèves à mieux saisir la diversité des ressources du littéraire, et à s’interroger sur les liens entre oral et écrit, verbal et visuel, et les concordances ou éventuelles discordances entre les deux sortes de langage, ainsi que sur les problèmes d’interprétation. Le but est de faire comprendre aux élèves comment l’œuvre dramatique prend toute sa signification dans sa réalisation sur scène et, au-delà, de leur faire découvrir les ressources de

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signification que permet l’association du verbal et du non-verbal (langages visuel et sonore). En corollaire, on les conduit à observer les effets de double réception (par le spectacle et par la lecture), fréquente au théâtre. La double énonciation désigne la situation typique du théâtre où les personnages s’adressent les uns aux autres sur scène (plan d’énonciation 1) et où l’ensemble de leurs propos, mais aussi leurs gestes, leurs costumes, les décors, les accompagnements musicaux éventuels, les lumières, forment un discours global qui s’adresse au public (plan d’énonciation 2). Cette spécificité du texte théâtral, qui apparaît dans le domaine des connaissances, est fondamentale pour saisir les enjeux spécifiques du genre. Outils d'analyse Tous les textes de théâtre peuvent être étudiés pourvu qu’ils le soient en lien avec une (ou des) mises en scène du XX° ou XXI° siècle. Durant l’année de Terminale, un autre objet d’étude croise naturellement celui-ci : « Au XX° siècle, l’homme et son rapport au monde à travers la littérature et les autres arts ». C’est l’occasion pour faire découvrir aux élèves des réalisations théâtrales très contemporaines, dans lesquelles le rapport verbal – non verbal est particulièrement travaillé (effets de dépouillement des plateaux, des anachronismes de costumes, des jeux de lumière, des mélanges de genres – théâtre et cinéma, théâtre et photographie, théâtre et danse …). Dans l’analyse des textes, deux préoccupations s’imposent : – la visualisation associée au texte : de préférence par vision de la pièce, sur scène ou en vidéo ; au moins par la mise en voix et en espace en classe ; – des analyses comparatives, à deux échelles : au sein d’une même œuvre, entre le verbal et le visuel qui souvent sont décalés, et entre des mises en scène différentes. Le recours à des documents tels que reproductions de décors et de costumes, musiques, enregistrements, est souhaitable. De même, un temps de réflexion sur le rôle des interprètes (le comédien, le metteur en scène) est nécessaire, en lien avec la réflexion sur les variations de signification des œuvres et la notion d’interprétation. b. La télévision et la mise en scène de la parole Perspectives L'espace global de la création télévisée est un territoire constitué de trois domaines : l'information, la fiction, la publicité. Seul le domaine de l'information, qui donne naissance à des émissions très variées, concerne l'objet d'étude. La parole a constitué, dès les premiers temps de la télévision, un ressort essentiel des spectacles offerts par ce média. Certaines émissions se sont ainsi orientées très tôt vers des formules uniquement fondées sur la confrontation d'argumentaires, dans le champ politique d'abord, mais aussi dans les domaines culturel, scientifique et sociétal. Perçu comme un modèle dialectique de formation de la vérité, le débat est alors le territoire quasi exclusif de voix autorisées ou représentatives. Depuis le milieu des années 80, une mutation essentielle est apparue, avec la généralisation du terme talk show qui n'est pas seulement dû au penchant anglomaniaque des milieux professionnels de l'audiovisuel. Il s’agit plus fondamentalement d'un autre mode de gestion de la parole télévisuelle.

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Le talk show évolue aux frontières de la variété et de l'information et englobe un ensemble protéiforme d'émissions conversationnelles. Disposant de façon imprévisible de la parole de ses invités, n'hésitant pas à prendre lui-même la parole, l'animateur s'impose comme une vedette à part entière en se situant au centre de dispositifs renouvelés par des emprunts à des genres distractifs. Acteur médiatique qui cherche à allier crédibilité du journaliste et prestige de l'artiste, l'animateur noue une relation de proximité qui consacre la parole brute et directe (celle du témoin ou de l'acteur) au détriment de la parole savante et abstraite (celle de l'expert). On passe ainsi