Frida Kahlo, sa vie et ses oeuvres

ANALYSE DE FRIDA KAHLO : SA VIE, SES OEUVRES :

Résumé de Frida Kahlo

De petites épingles transpercent la peau de Kahlo pour montrer qu'elle a encore "mal" après une maladie ou un accident, tandis qu'une larme signée signifie sa lutte permanente contre le débordement psychologique qui en découle. Frida Kahlo utilise généralement le symbolisme visuel de la douleur physique dans une tentative de longue date de mieux comprendre la souffrance émotionnelle. Avant les efforts de Kahlo, le langage de la perte, de la mort et de l'identité personnelle avait été relativement bien étudié par certains artistes masculins (dont Albrecht Dürer, Francisco Goya et Edvard Munch), mais n'avait pas encore été disséqué de manière significative par une femme. En effet, non seulement Kahlo a pénétré dans un langage existant, mais elle l'a également élargi et l'a fait sien. En exposant littéralement les organes internes et en représentant son propre corps dans un état de saignement et de rupture, Kahlo a ouvert nos entrailles pour aider à expliquer les comportements humains à l'extérieur. Elle a rassemblé des motifs qui se répéteront tout au long de sa carrière, notamment des rubans, des cheveux et des animaux personnels, et a ainsi créé un moyen nouveau et articulé de discuter des aspects les plus complexes de l'identité féminine. En tant que "grande artiste" mais aussi en tant que figure digne de notre dévotion, le visage emblématique de Kahlo apporte un soutien traumatique permanent et son influence ne peut être sous-estimée.

Réalisations

Grâce à Kahlo, il est devenu légitime pour les femmes d'afficher ouvertement leurs douleurs et leurs frustrations et de faire ainsi un pas vers leur compréhension. Il est devenu crucial pour les femmes artistes d'avoir un modèle féminin et c'est le cadeau de Frida Kahlo.

Comme une question importante pour de nombreux surréalistes, Kahlo s'interroge elle aussi : Qu'est-ce que la femme ? À la suite de fausses couches répétées, elle se demande dans quelle mesure la maternité ou son absence a un impact sur l'identité féminine. Elle modifie de manière irréversible la signification de la subjectivité maternelle. Le symbolisme ombilical (souvent représenté par des rubans) montre clairement que Kahlo est reliée à tout ce qui l'entoure et qu'elle est une "mère" sans enfants.

Se sentant souvent seule, elle a travaillé de manière obsessionnelle à l'autoportrait. Sa réflexion a nourri un intérêt indéfectible pour l'identité. Elle s'intéresse particulièrement à son ascendance mixte germano-mexicaine, ainsi qu'à la division de ses rôles d'artiste, d'amante et d'épouse.

Kahlo utilise le symbolisme religieux dans toute son œuvre. Elle apparaît comme la Madone tenant ses "bébés animaux", et devient la Vierge Marie lorsqu'elle berce son mari, le célèbre peintre national Diego Rivera. Elle s'identifie à saint Sébastien et apparaît même, à juste titre, comme le Christ martyrisé. Elle se positionne comme un prophète lorsqu'elle prend la tête de la table dans son tableau de style Cène, et sa représentation de l'accident qui l'a laissée empalée sur une barre de métal (et couverte de poussière d'or lorsqu'elle gisait blessée) rappelle la crucifixion et suggère sa propre sainteté.

Avant Kahlo, les femmes qui avaient tenté de communiquer les émotions les plus sauvages et les plus profondes étaient souvent qualifiées d'hystériques ou condamnées à la folie, tandis que les hommes étaient associés au type de personnage "mélancolique". En restant artistiquement active sous le poids de la tristesse, Kahlo a révélé que les femmes peuvent elles aussi être mélancoliques plutôt que dépressives, et que ces termes ne doivent pas être considérés comme sexués.

1931

Frieda et Diego Rivera

C'est comme si, dans ce tableau, Kahlo s'essayait au rôle d'épouse pour voir comment il lui convient. Elle ne se concentre pas sur son identité de peintre, mais adopte plutôt un rôle passif et de soutien, tenant la main de son mari talentueux et acclamé. Il est vrai que pendant la majeure partie de sa carrière de peintre, Kahlo n'a été vue que dans l'ombre de Rivera et ce n'est que plus tard dans sa vie qu'elle a acquis une reconnaissance internationale.

Ce double portrait de jeunesse a été peint principalement pour marquer la célébration du mariage de Kahlo avec Rivera. Alors que Rivera tient une palette et des pinceaux, symboles de sa maîtrise artistique, Kahlo limite son rôle à celui de son épouse en se présentant légère dans le cadre et sans ses accoutrements artistiques. Kahlo s'habille en outre dans le costume typique de la femme mexicaine, ou "La Mexicana", portant un châle rouge traditionnel connu sous le nom de rebozo et des perles aztèques en jade. La position des personnages fait écho à celle du portrait conjugal traditionnel, où la femme est placée à la gauche de son mari pour indiquer son statut moral inférieur en tant que femme. Dans un dessin réalisé l'année suivante, intitulé Frida et la fausse-couche, l'artiste tient sa propre palette, comme si l'expérience de la perte d'un fœtus et de l'impossibilité de créer un enfant la poussait à se consacrer entièrement à la création artistique.

1932

Hôpital Henry Ford

De nombreuses peintures de Kahlo du début des années 1930, notamment en ce qui concerne la taille, le format, le cadre architectural et la disposition spatiale, se rapportent aux ex-voto religieux dont elle et Rivera possédaient une grande collection datant de plusieurs siècles. Les ex-voto sont réalisés en signe de gratitude pour le salut, une prière exaucée ou un désastre évité, et sont déposés dans des églises ou des sanctuaires. Les ex-voto sont généralement peints sur des panneaux métalliques de petite taille et représentent l'incident ainsi que la Vierge ou le saint à qui ils sont offerts. L'hôpital Henry Ford est un bon exemple où l'artiste utilise le format de l'ex-voto mais le subvertit en se plaçant au centre de la scène, plutôt que d'enregistrer les actes miraculeux des saints. Au lieu de cela, Kahlo peint sa propre histoire, comme si elle devenait sainte et que l'œuvre était réalisée non pas en remerciement au seigneur, mais par défi, en remettant en question les raisons pour lesquelles il lui apporte la douleur.

Dans cette peinture, Kahlo est allongée sur un lit, saignant après une fausse couche. De son corps nu exposé partent six rubans veineux, attachés à des symboles. L'un de ces six objets est un fœtus, ce qui suggère que les rubans pourraient être une métaphore des cordons ombilicaux. Les cinq autres objets qui entourent Frida sont des choses dont elle se souvient, ou des choses qu'elle a vues à l'hôpital. Par exemple, l'escargot fait référence au temps qu'il a fallu pour que la fausse couche se termine, tandis que la fleur est un objet physique réel que Diego lui a donné. L'artiste démontre son besoin de s'attacher à tout ce qui l'entoure : au banal et au métaphorique autant qu'au physique et au réel. C'est peut-être en tendant la main à la connectivité que l'artiste tente d'être "maternelle", même si elle n'est pas en mesure d'avoir son propre enfant.